Pierwsze gry w swoich gatunkach: Od FPS do Battle Royale — 40 pionierów

Pierwsze gry w swoich gatunkach — 40 projektów, które zrobiły coś po raz pierwszy, co teraz pojawia się w każdej innej grze. Pierwszy shooter, pierwsza bijatyka, pierwszy Battle Royale, pierwszy minimapa, pierwszy QTE, pierwsze drzewo dialogowe. Historia przemysłu gier to historia tego, kto co wynalazł jako pierwszy.

Czy wiedziałeś, że pierwszym shooterem z perspektywy pierwszej osoby nie był Wolfenstein? Że system kolorowego kodowania rzadkości łupów nie został wynaleziony w Diablo, lecz w tekstowej ASCII roguelike? Że gatunek Battle Royale narodził się z moda do symulatora zombie, a nie z pomysłu marketera?

Większość mechanik, które uważamy za oczywiste, została wynaleziona przez kogoś po raz pierwszy — często przez przypadek, czasem z lenistwa, prawie zawsze w grze, o której nigdy nie słyszałeś.

Ten artykuł obejmuje ponad 30 takich innowacji. Pierwsza bijatyka, pierwszy skradankowy tytuł, pierwszy otwarty świat, pierwszy system rozwoju postaci, pierwsze drzewo dialogowe, pierwszy tryb multiplayer online, pierwszy kooperacyjny tryb, pierwszy Battle Royale — i gry, które za nimi stoją. Niektóre zaskoczą cię, inne rozbawią, ale każda zasługuje na poznanie.

Zacznijmy od podstaw — samych gatunków. FPS, RPG, bijatyki, Battle Royale, metroidvanie. Każda z tych nazw jest dziś rozpoznawalna nawet przez osoby, które grały tylko kilka razy w życiu. Ale każdy gatunek miał swojego założyciela — konkretną grę, która wynalazła formułę. Trzynaście gatunków i trzynaście tytułów założycielskich poniżej.

Myślisz, że pierwszym shooterem z perspektywy pierwszej osoby był Wolfenstein 3D? Błąd — Wolfenstein jedynie spopularyzował ten gatunek. Tak naprawdę narodził się on prawie 20 lat wcześniej, w Maze War (1973). Gra została stworzona latem 1973 roku przez studentów w Ames Research Center — placówce NASA, uwierz lub nie. Rozgrywka przypomina szkic nowoczesnej strzelanki FPS: labirynt, widok z pierwszej osoby, strzelanie do przeciwników (choć wrogiem było unoszące się oko — serio, spójrz na zrzuty ekranu). Po raz pierwszy pojawił się tam także deathmatch — całe 25 lat przed tym, jak John Carmack uczynił go ikonicznym w Quake. W tym samym roku, 1973, ukazał się Spasim — pierwszy sieciowy symulator walki w przestrzeni 3D.

Zamiast więc mówić „dziękujemy, Wolfenstein”, dokładniejszym toastem będzie: „dziękujemy, bezimiennym studentom NASA, którzy przypadkowo wynaleźli cały gatunek między wykładami.”

Ten gatunek jest naprawdę trudny do jednoznacznego określenia, ale najbliższym wczesnym przykładem jest 3-D WorldRunner. Postać nie mogła obracać się o pełne 360 stopni i biegła tylko do przodu — mimo to gra naprawdę sprawiała wrażenie trójwymiarowej, a ten tytuł pokazał twórcom, że format strzelanki z perspektywy trzeciej osoby ma prawdziwy potencjał. Widzieć swoją postać w całości i nadal bawić się równie dobrze jak w FPS? Niezwykłe. 3-D WorldRunner może się też pochwalić szczególnie pamiętną ścieżką dźwiękową.

Najwcześniejsze komputerowe RPG to gry, które dziś łatwo można by pomylić z przodkami współczesnych roguelike’ów: proceduralna generacja, surowa kara za porażkę i minimalna grafika, gdzie wyobraźnia gracza wypełniała niemal wszystko inne. Kluczową grą był tutaj Rogue, który ukazał się przed Ultima 1 i w praktyce nadał nazwę gatunkowi roguelike. Wprowadził wiele konwencji, które wciąż kojarzymy z tym gatunkiem: losowo generowane lochy, eksplorację turową, trwałą śmierć oraz poleganie na szczęściu, ostrożności i znajomości systemów. Później NetHack rozwinął te pomysły do niemal encyklopedycznych rozmiarów, ale fundament położył Rogue. Gatunek przeszedł długą drogę od znaków ASCII na czarnym ekranie, a jego wpływ jest widoczny nawet w nowoczesnych RPG — wystarczy spojrzeć na Najlepsze RPG wszech czasów: Top 77 na PC i konsole.

Pierwszą grą wyścigową można słusznie nazwać drugą grą Atari, wydaną w 1973 roku — Space Race. Dwóch graczy musiało ścigać się od dołu ekranu do góry, omijając asteroidy. Kto pierwszy dotarł, ten wygrywał. To był całkiem dobry wyścig. Wizualnie to był zbiór białych kropek na czarnym tle, ale nie o grafikę tu chodzi. Przyznajmy więc zasługi tam, gdzie się należą: nadal pierwsze wyścigi i druga gra Atari. Zobacz, czym dziś stały się wyścigi w naszym TOP z najlepszymi grami wyścigowymi.

Można by argumentować, że szachy były pierwszą grą strategiczną — ale ponieważ nie jest to gra na konsolę ani komputer, ustąpimy miejsca prawdziwej pierwszej grze strategicznej: Computer Bismarck. I nie chodzi tu o średniowiecze: dowodzisz brytyjską flotą i manewrujesz jej statkami. Morze było wtedy różowe, a statki to były litery, ale to nikomu nie przeszkadzało się dobrze bawić w 1980 roku. Naprawdę! Od liter na kolorowym ekranie po Civilization i Total War — podróż gatunku opisujemy w naszym najlepszym RTS wszech czasów: Top 29 od Dune 2 do Tempest Rising.

Mystery House okazała się pierwszą grą w dwóch gatunkach jednocześnie. Oczywistym, pomijając tytuł, jest przygodówka lub quest. Gracz wchodzi do dziwnego domu w poszukiwaniu ukrytego skarbu, ale zamiast bogactw znajduje martwe ciała. Zadaniem staje się odkrycie, kto będzie następną ofiarą i co dzieje się w rezydencji. Mystery House zasługuje na swoje miejsce tutaj jako jedna z pierwszych gier przygodowych z grafiką, choć przygodówki tekstowe pojawiły się jeszcze wcześniej.

Współcześni potomkowie Mystery House — od Syberii po Disco Elysium — są zebrani w 120 najlepszych grach przygodowych na PC, PS5, Xbox i Nintendo Switch.

Mortal Kombat i Killer Instinct stały się symbolami gatunku gier walki w erze, gdy gatunek ten już znał swoje zasady. Jednak początki zwykle sięgają Heavyweight Champ — gry arcade o boksie z 1976 roku. Jak na swoje czasy gra wyglądała niezwykle zaawansowanie: już oferowała pojedynki jeden na jednego, sterowanie ciosami, a nawet wybór zawodników. Specjalne ruchy, kombosy i drabinki turniejowe były jeszcze daleko w przyszłości, ale Heavyweight Champ położył fundamenty pod gatunek, który później dał serie takie jak Street Fighter, Mortal Kombat i Tekken.

Od dwóch pikselowych bokserów do Street Fighter 6 i Tekken 8 — gatunek przeszedł długą drogę. Kluczowi przedstawiciele zebrani są w naszym wyborze najlepszych gier walki.

Gdy wyobrazisz sobie wczesny symulator, naturalnie przychodzi na myśl gra o budowaniu miasta — i to jest całkiem bliskie prawdzie. Jedną z pierwszych znaczących gier w tym gatunku był Fortune Builder, wydany w 1984 roku. Z dzisiejszej perspektywy jego założenia wydają się znajome: buduj domy, drogi i fabryki, rozwijaj teren, zbieraj pieniądze i znów się rozbudowuj. Ale na tamte czasy był to nietypowy pomysł — nie chodziło po prostu o ukończenie poziomu czy pokonanie wrogów, lecz o zarządzanie całym miastem i stopniowe przekształcanie pustej mapy w działający system.

Współcześni spadkobiercy Fortune Builder — Cities: Skylines, Manor Lords, Frostpunk i inni — są zebrani w naszym rankingu najlepszych symulatorów budowy miast.

Splinter Cell i Metal Gear Solid stały się symbolami skradanek znacznie później, gdy gatunek nauczył się korzystać z cieni, dźwięków, gadżetów i skomplikowanych tras patroli. A jeśli chcesz poznać najlepszych przedstawicieli nowoczesnej ery, mamy dedykowany ranking najlepszych gier skradankowych wszech czasów: Top 35 na PC i konsole.

Jedną z pierwszych gier opartych całkowicie na skradaniu się była 005 od SEGA. Gracz kontrolował szpiega infiltrującego bazę wroga, aby ukraść tajne dokumenty i uciec helikopterem. Zamiast otwartych walk celem było ukrywanie się przed strażnikami: wchodzenie do budynków, przyklejanie się do ścian i unikanie wiązek latarek. Z dzisiejszej perspektywy mechanika wydaje się prosta, ale podstawowa idea skradania już tam była — nie chodziło o pokonanie wszystkich wrogów, lecz o pozostanie niewidocznym.

Gatunek narodził się z map tworzonych przez użytkowników. Pierwszą była Aeon of Strife — mapa do StarCraft: czterech bohaterów, trzy linie, creepy. Potem pojawił się Defense of the Ancients (DotA) — mapa do Warcraft 3 (2003) stworzona przez moddera znanego jako Eul, a później rozwijana przez IceFroga. DotA była tak popularna, że Valve zatrudniło IceFroga i wydało Dota 2 (2013) — pierwszą samodzielną MOBA jako własny produkt. Równolegle ukazał się League of Legends (2009) .

Koncepcja pochodzi z filmu Battle Royale z 2000 roku oraz powieści Koushuna Takamiego. W grach gatunek zaczął się od moda DayZ: Battle Royale (2013) — Brendan Greene, znany jako PlayerUnknown, dodał tryb „ostatni ocalały” do symulatora zombie. Następnie pojawił się H1Z1: King of the Kill (2015) jako samodzielna gra. Wreszcie PUBG (2017) eksplodowało na scenie i ustanowiło Battle Royale jako samodzielny gatunek. Jakie gry z tego gatunku warto dziś grać, sprawdź w naszym TOP-10 najlepszych gier battle royale.

Alone in the Dark (1992) jest zazwyczaj uważana za główną grę założycielską gatunku survival horror. Francuskie studio Infogrames zebrało niemal cały przyszły wzór gatunku: stałe kamery, eksplorację ponurej rezydencji, zagadki, ograniczone zasoby i ciągłe poczucie zagrożenia. Z tego fundamentu wyrosły serie Resident Evil, Silent Hill, Amnesia i wiele innych horrorów. Trzeba jednak dodać, że Alone in the Dark ma ważnego poprzednika — japońską grę Sweet Home (Famicom, 1989), RPG z elementami horroru, która również może uchodzić za jedną z pierwszych gier tego gatunku i bezpośrednio zainspirowała Shinji Mikamiego do stworzenia Resident Evil.

Najlepsi przedstawiciele gatunku — od klasyków takich jak Silent Hill 2 po nowości z 2026 roku — znajdują się w TOP: Najlepsze gry horror wszech czasów.

Sama nazwa jest zbitką słów: Metroid (NES, 1986) wynalazł otwarty świat z zamkniętymi strefami, do których wracasz po zdobyciu nowych umiejętności. Castlevania: Symphony of the Night (1997) dodała rozwój postaci w stylu RPG i nieliniowy projekt poziomów. Razem dały nam wzorzec zwany teraz metroidvanią. Symphony of the Night i Super Metroid (1994) są powszechnie uważane za pierwsze w nowoczesnym rozumieniu — wykrystalizowały gatunek jako odrębny kierunek.

Nowocześni następcy Symphony of the Night — Hollow Knight, Blasphemous, seria Ori i inni — są zebrani w naszym rankingu najlepszych gier metroidvania.

System walki określa dokładnie, jak działają starcia w grze: turowo, w czasie rzeczywistym, z aktywną pauzą, z licznikiem tury lub według odrębnych zasad taktycznych. Te formaty nie pojawiły się od razu — każdy rozwijał się stopniowo, w konkretnych grach stworzonych do określonych celów: czasem z powodu ograniczeń technicznych, czasem dla wygody, a czasem jako próba uczynienia walki bardziej napiętą i głęboką. Poniżej sześć podstawowych podejść do walki, bez których trudno wyobrazić sobie nowoczesne RPG, gry strategiczne i akcji.

Wczesne gry Final Fantasy utrwaliły klasyczny model turowy, gdzie postacie i wrogowie działali w ścisłej kolejności. W Final Fantasy 4 deweloperzy skomplikowali ten system, wprowadzając Active Time Battle. Teraz kolejność tur nie zależała od sztywnej kolejki, lecz od wskaźnika, który napełniał się z różną prędkością dla różnych postaci. Tempo było wpływane przez statystyki, efekty przyspieszenia i spowolnienia, więc walka stała się bardziej dynamiczna: gracz musiał nie tylko wybierać polecenia, ale także uwzględniać timing, szybkość każdego wojownika i odpowiedni moment na kolejną akcję.

Bullet time jest najczęściej kojarzony z Max Payne, ale Remedy nie było pierwszym studiem, które wprowadziło ten pomysł do gry. Przed nimi podobna mechanika pojawiła się w Requiem: Avenging Angel — mrocznej strzelance z 1999 roku o aniele zesłanym na Ziemię, by powstrzymać ludzkość przed nadmiernym rozwojem technologicznym. Umiejętność nazywała się „Time Distortion” i pozwalała graczom spowolnić wszystko wokół, zamieniając strzelaniny w niemal kinowe sekwencje. Max Payne później spopularyzował bullet time, ale jeden z pierwszych kroków w kierunku tej mechaniki został wykonany w Requiem.

Aktywna pauza jest najczęściej kojarzona z Dragon Age: Origins lub klasykami RPG jak Baldur's Gate, gdzie można zatrzymać walkę, wydać rozkazy drużynie, wybrać czary, a następnie wznowić starcie. Jednak sam pomysł pojawił się wcześniej. Jednym z wczesnych przykładów jest Knights of Xentar z 1991 roku: podczas walki gracze mogli zatrzymać akcję, by wypić miksturę, rzucić czar lub zmienić styl walki. Dziś brzmi to jak podstawowa wygoda, ale na początku lat 90. ta mechanika była ważnym krokiem w kierunku bardziej zarządzalnej i taktycznej walki w czasie rzeczywistym.

Niektóre gry łączą eksplorację w czasie rzeczywistym z oddzielną taktyczną walką. Takie podejście pojawiło się później w Fallout i Silent Storm, ale jednym z pierwszych ważnych przykładów była gra UFO: Enemy Unknown z 1994 roku. Między misjami gracz zarządzał swoją bazą, badał technologie, monitorował aktywność obcych i przydzielał zasoby, podczas gdy same bitwy toczyły się w trybie turowym. Czas na mapie globalnej mógł być wstrzymywany i przyspieszany, ale w walce wszystko decydowały punkty akcji, pozycjonowanie i ostrożne przesuwanie się po mapie. Ta dokładna struktura później stała się podstawą XCOM: Enemy Unknown i utrwaliła format, w którym planowanie strategiczne bezpośrednio kształtuje taktyczne bitwy.

W wielu grach tura jest ograniczona nie tylko zasadami, ale także czasem: musisz podjąć decyzję, zanim prawo do działania przejdzie na przeciwnika. Jednym z wczesnych przykładów takiego podejścia była gra Utopia, wydana w 1982 roku. Dwóch graczy jednocześnie rozwijało swoje wyspy: budując budynki, zarządzając zasobami i próbując wyprzedzić się nawzajem ekonomicznie. Domyślnie tura trwała minutę, choć timer można było dostosować. To proste ograniczenie zauważalnie zmieniło tempo rozgrywki: gracze nie mogli już bez końca zastanawiać się nad każdym krokiem i byli zmuszeni podejmować szybkie decyzje pod presją czasu.

Bossowie nie pojawili się od razu w grach, choć dziś trudno wyobrazić sobie grę akcji, RPG czy arcade bez dużego przeciwnika na końcu poziomu. Jednym z pierwszych takich przykładów jest uważane dnd dla PLATO, wydane w 1975 roku. Gra była oparta na stołowej grze Dungeons & Dragons i prowadziła gracza przez wielopoziomową loch, gdzie głównym celem była kula na ostatnim piętrze. Nie można było jej po prostu zabrać i wyjść: artefakt był strzeżony przez Złotego Smoka, którego należało pokonać, aby ukończyć rozgrywkę. To właśnie tutaj zaczęła się kształtować teraz dobrze znana struktura końcowego wyzwania w grach — potężny wróg stojący między graczem a zwycięstwem.

Minimapka w rogu ekranu, zielona strzałka nad postacią, mgła zasłaniająca nieodkryte tereny — to wszystko wydaje się tak naturalne jak przycisk głośności na pilocie. A jednak ktoś pierwszy wymyślił i wdrożył każdą z tych rzeczy, nie mając żadnych punktów odniesienia. Oto pięć odkryć w interfejsie i projektowaniu poziomów, które kształtują sposób, w jaki poruszamy się w każdej nowoczesnej grze.

Otwarte światy często kojarzą się z The Elder Scrolls: Arena, ale gry pozwalające na swobodne podróżowanie po dużej mapie istniały wiele lat przed TES. Jednym z wczesnych przykładów była Ultima 1 z 1981 roku. Gracz oglądał świat z góry, poruszał bohaterem za pomocą klawiszy strzałek i używał klawiatury do konkretnych akcji — na przykład ataku. Na początku lat 80. gra była wyjątkowo ambitna: zawierała już podróżowanie po otwartym świecie, tworzenie postaci, wybór rasy i rozdzielanie statystyk. Z dzisiejszej perspektywy wszystko to wygląda prosto, ale to właśnie takie projekty stopniowo budowały fundamenty dużych RPG, w których gracz wybiera własną trasę, tempo i rolę.

Minimapa od dawna jest standardową częścią interfejsu: pomaga w orientacji, śledzeniu zagrożeń i zrozumieniu, co znajduje się poza krawędzią ekranu. Jednym z pierwszych oficjalnych przykładów tego mechanizmu jest Defender, wydany w 1981 roku na automatach arcade i Atari. Nie był to strzelanka w tradycyjnym sensie ani strategia — był to kosmiczny side-scroller, w którym gracz bronił planety przed obcymi. Na górze ekranu znajdował się radar: prosty pasek z kropkami pokazującymi pozycje wrogów, cywilów i samego statku na długim poziomie. Z dzisiejszego punktu widzenia interfejs wyglądał surowo, ale taki układ dawał graczom ważną przewagę — możliwość zobaczenia nie tylko najbliższego zagrożenia, ale całego pola bitwy.

„Mgła wojny” pojawiła się po raz pierwszy w grze strategicznej — co jest całkowicie logiczne dla tego mechanizmu. Jednym z wczesnych przykładów jest Empire, znane również jako Classic Empire: turowa strategia oparta na grze planszowej. Gracz rozwija miasto, buduje armię, eksploruje mapę i stopniowo zmierza do głównego celu — pokonania przeciwnika. Bez ograniczonej widoczności taka struktura działałaby znacznie gorzej: mgła wojny ukrywała ruchy wroga, wymuszała zwiad i dodawała napięcia nawet pozornie prostym rozgrywkom. Ten mechanizm później stał się niemal obowiązkowy w grach strategicznych, gdzie kluczowe są informacje, ryzyko i kontrola terytorium.

Strzałka nawigacyjna dziś wydaje się niemal niewidoczną częścią interfejsu: po prostu pokazuje, dokąd iść dalej, oszczędzając graczowi czas na znalezienie trasy. Jednym z najbardziej znanych wczesnych przykładów jest Crazy Taxi. W tej zręcznościowej grze wyścigowej nad samochodem pojawiała się duża zielona strzałka, wskazująca następny cel i pomagająca graczowi szybko dowieźć pasażera we właściwe miejsce. Dla gry opartej całkowicie na wyścigu z czasem było to idealne rozwiązanie: gracz nigdy nie musiał odwracać wzroku na mapę, nie musiał zapamiętywać miasta przy pierwszej próbie i mógł całkowicie skupić się na szybkości, manewrowaniu i szukaniu skrótów.

System osłon stał się naprawdę popularny po Gears of War: wystarczy spojrzeć na nasz ranking najlepszych strzelanek z perspektywy pierwszej osoby: Top FPS na PC, PS4, PS5, Xbox i Switch , aby zobaczyć, jak głęboko ten mechanizm ukształtował gatunek. Jednak jednym z wczesnych przykładów był Winback: Covert Operations — strzelanka z perspektywy trzeciej osoby na Nintendo 64 wydana w 1999 roku. Główny bohater, agent Jean-Luc Cougar, przenikał do bazy wroga i regularnie brał udział w strzelaninach, gdzie osłony nie były tylko dekoracją, lecz kluczowym elementem przechodzenia poziomów. Gracz musiał chować się za ścianami i przedmiotami, wychylać się, by strzelać, i ostrożnie posuwać się naprzód — robiąc niemal wszystko, co później stało się standardem w strzelankach z perspektywy trzeciej osoby.

Punkty doświadczenia, poziomy, drzewa dialogowe, wybory moralne, kolorowe łupy — wszystko, co sprawia, że gra jest GRĄ FABULARNĄ w szerokim znaczeniu. Większość tych mechanik powstała na długo zanim RPG stały się odrębnym gatunkiem: na terminalach uniwersyteckich PLATO i w piwnicach Sierra Online. Oto siedem filarów rozwoju postaci.

W większości gatunków gracz zazwyczaj otrzymuje gotowego bohatera lub ma do wyboru kilku zdefiniowanych wcześniej bohaterów. RPG dość szybko obrały inną ścieżkę: tutaj stworzenie własnego bohatera stało się ważną częścią doświadczenia. Jednym z wczesnych przykładów takiego systemu był Genesis: Beyond the Revelation, wydany w 1985 roku. Przed rozpoczęciem gry gracz mógł nie tylko nadać postaci imię, ale także wybrać klasę, a następnie rozdzielić statystyki. Dziś jest to podstawowa cecha gier fabularnych, ale w połowie lat 80. ten poziom personalizacji był zauważalnie głębszy niż zwykły ekran wyboru postaci — szczególnie nietypowe, biorąc pod uwagę, że gra dotyczyła robotów, a nie klasycznej fantastyki.

Może się wydawać, że rozwój postaci istniał od zawsze — ale tak nie jest. Pierwszą grą z pełnym systemem doświadczenia i poziomów uważa się pedit5 (1975) dla uniwersyteckiej sieci PLATO. Był to prymitywny dungeon roguelike inspirowany stołowym D&D — ale to właśnie tam po raz pierwszy pojawiła się mechanika „zabij potwora → zdobądź XP → awansuj na wyższy poziom”. Rok później pojawił się dnd dla tej samej sieci PLATO, który rozwinął ten pomysł dalej. Bez nich nie byłoby Diablo, nie byłoby Dark Souls, ani niczego z paskiem doświadczenia.

Przygodówki tekstowe, takie jak Colossal Cave Adventure (1977), pozwalały graczom na wpisywanie poleceń i interakcję ze światem za pomocą słów, ale nie był to jeszcze znany nam system drzew dialogowych. Jednym z wczesnych kroków w kierunku takiego systemu była Ultima 4: Quest of the Avatar (1985). W niej można było rozmawiać z NPC za pomocą słów-kluczy, a odpowiedzi zmieniały się w zależności od tego, z kim rozmawiałeś i w jakim kontekście. Gracz nie po prostu naciskał przycisk „rozmowa” — zamiast tego stopniowo odkrywał imiona, tematy i ważne wskazówki, które składały się na pełną rozmowę.

Później drzewa dialogowe rozwinęły się w bardziej rozpoznawalny mechanizm zachodnich RPG — z menu odpowiedzi, opcjami wyboru i konsekwencjami decyzji. Ważnym kamieniem milowym był Realms of Arkania: Blade of Destiny (1992), gdzie rozmowy były już znacznie bliższe formatowi, który dziś kojarzymy z klasycznymi grami fabularnymi.

Ultima 4: Quest of the Avatar jest tu również ważna — była to pierwsza gra oparta całkowicie na wyborach moralnych. Przed nią gatunek częściej stawiał graczy przed prostszymi zadaniami: przetrwać, znaleźć artefakt, pokonać potwora, oczyścić loch. Richard Garriott zaproponował inny cel — nie ratowanie świata siłą, lecz stanie się godnym człowiekiem.

Ultima 4 opierała się na ośmiu cnotach, a działania gracza stopniowo kształtowały jego drogę do tytułu Awatara. Zadaniem było myślenie nie tylko o skuteczności decyzji, ale także o tym, jak uczciwa, współczująca czy szlachetna była. Na połowę lat 80. było to nietypowe: gra oceniała nie tylko efektywność, ale i zachowanie bohatera. Podobne pomysły później rozwinęły się w systemy moralności, reputacji i karmy w RPG — ale Ultima 4 była jednym z najważniejszych wczesnych punktów odniesienia.

Kolorowe oznaczenia rzadkości przedmiotów wydają się tak naturalne, że łatwo pomylić je z wrodzoną częścią interfejsu. Jednak ten system ma swoje konkretne korzenie. Twórca Diablo, David Brevik, powiedział w wywiadach, że pomysł kolorowego oznaczania rzadkości zaczerpnął z tekstowej gry roguelike Angband. Tam przedmioty były wyróżniane kolorowym tekstem ASCII: niebieski oznaczał magiczne przedmioty, szary – zwykłe.

Diablo w 1996 roku przeniosło ten pomysł do bardziej wizualnego interfejsu i udostępniło go szerokiej publiczności. Gracze od razu wiedzieli, co mają przed sobą: zwykły przedmiot, magiczny łup lub coś rzadkiego. A nowoczesna skala rzadkości z kolorami szarym, zielonym, niebieskim, fioletowym i pomarańczowym została w pełni ugruntowana po World of Warcraft w 2004 roku.

Automatyczne odzyskiwanie zdrowia jest najczęściej kojarzone z nowoczesnymi strzelankami, gdzie wystarczy poczekać kilka sekund za osłoną, by wrócić do walki. Jednak sam pomysł jest znacznie starszy. Jednym z wczesnych przykładów była gra Hydlide — RPG z 1984 roku, w której bohater stopniowo odzyskiwał zdrowie po prostu stojąc w miejscu.

W grze o wysokim poziomie trudności nie była to tylko wygoda, ale sposób na danie graczowi chwili wytchnienia bez ciągłego polegania na miksturach i apteczkach. Później automatyczna regeneracja stała się kontrowersyjną, ale bardzo popularną mechaniką: niektórzy krytykowali ją za zbyt duże ułatwianie gier, inni doceniali płynniejsze tempo rozgrywki i mniejszą liczbę ślepych zaułków, które tworzyła.

Oddzielny pasek tarczy od dawna jest standardowym sposobem na zapewnienie graczowi bufora, zanim obrażenia zaczną uderzać w jego główne zdrowie. Czasami tarczę trzeba uzupełniać ręcznie; czasami regeneruje się sama — a jednym z wczesnych przykładów tej mechaniki była Star Luster. W tej kosmicznej strzelance regenerująca się tarcza idealnie pasowała do tempa gry: pozwalała graczom przetrwać kilka błędów, nie eliminując całkowicie zagrożenia, zwłaszcza w trudnych sytuacjach.

Ten pomysł później rozprzestrzenił się na wiele różnych gatunków — od strzelanek po RPG z bronią palną. W Borderlands, na przykład, tarcze stały się pełnoprawną częścią budowy postaci: różniły się statystykami, efektami i szybkością ładowania. Tak więc prosty pasek ochronny ewoluował w osobną warstwę taktyki, gdzie ważne było nie tylko twoje całkowite zdrowie, ale także to, jak szybko twoja postać mogła ponownie przyjąć obrażenia.

Niektóre gry kończą się napisami końcowymi; inne sprawiają, że wracasz — dla innej ścieżki, nowego zakończenia, wyższego poziomu trudności lub po prostu, by przeżyć znaną historię inaczej. Wiele zakończeń, New Game+, QTE, tryb kariery, kody do oszukiwania i inne techniki od dawna są częścią języka projektowania gier, który działa nie tylko podczas pierwszego przejścia, ale także dla powtarzalności. Oto sześć mechanik, które zmieniają gry z jednorazowego doświadczenia w projekty, do których wracasz, o których dyskutujesz i które trzymasz w swojej bibliotece.

Wiele zakończeń istniało przed Chrono Trigger, ale to RPG od Square uczyniło z tego pomysłu jeden z głównych powodów, by wrócić do gry po napisach końcowych. Wydany w 1995 roku Chrono Trigger opierał się na podróżach w czasie, więc różne zakończenia nie wydawały się sztucznym dodatkiem, lecz logicznym rozszerzeniem samej koncepcji. Gracze mogli dostosowywać skład drużyny, rozwijać postacie poprzez walkę, korzystać z systemu Active Time Battle przypominającego Final Fantasy oraz wpływać na to, jaki finał będzie miała ich przygoda. Dla JRPG z połowy lat 90. był to ważny krok: rozgrywka nie była już prostą drogą od początku do napisów końcowych, a historia zyskała dodatkową głębię podczas kolejnych podejść.

Chrono Trigger nie tylko uczynił wiele zakończeń kluczowym elementem powtarzalności, ale był też jedną z pierwszych gier oferujących możliwość ponownej rozgrywki z zachowanymi poziomami, ekwipunkiem i częścią postępów. W 1995 roku stało się to podstawą New Game+: gracz znał już historię i system walki, ale mógł szybciej dotrzeć do nowych punktów decyzyjnych, testować różne wybory i odblokowywać dodatkowe zakończenia. W przypadku Chrono Trigger mechanika ta była szczególnie naturalna, ponieważ gra opierała się na podróżach w czasie i konsekwencjach wyborów. Później New Game+ stało się standardowym sposobem na przedłużenie życia RPG i gier akcji — ale Chrono Trigger uczynił drugie przejście świadomą częścią projektu.

Zapisywanie postępów to jeden z tych przypadków, gdzie trudno wskazać jedną „pierwszą” grę: mechanika rozwijała się stopniowo i różnie na różnych platformach. Na konsolach ważnym kamieniem milowym było The Legend of Zelda z 1986 roku: kartridż z baterią i pamięcią SRAM pozwalał graczom zapisywać postępy bez haseł i zaczynać nową rozgrywkę bez konieczności zaczynania od zera. Na PC podobny pomysł rozwijał się wcześniej w przygodówkach tekstowych, gdzie gracze mogli zapisać stan sesji i wrócić do niej później.

Quicksave to osobna historia. Zapisywanie stanu gry za pomocą skrótu klawiszowego stało się częścią kultury gier na PC w latach 90., zwłaszcza w strzelankach i RPG. Half-Life nie wynalazł tej mechaniki, ale w 1998 roku pomógł uczynić ją de facto standardem: naciśnij F5 przed niebezpiecznym momentem, podejmij ryzyko, nie powiodło się — załaduj i spróbuj ponownie. Dla niektórych to wygoda; dla innych sposób na rozładowanie napięcia — ale bez szybkiego zapisu trudno wyobrazić sobie całą erę gier na PC.

Gra arcade Dragon's Lair z 1983 roku była jednym z pierwszych i najczystszych przykładów QTE. Była to animowana gra Don Blutha, w której niemal wszystko opierało się na refleksie: w odpowiednim momencie gracz musiał nacisnąć właściwy przycisk lub wybrać kierunek, inaczej bohater ginął natychmiast. Prawie nie było swobodnego poruszania się w tradycyjnym sensie — gracz nie eksplorował poziomu ani nie walczył bezpośrednio, lecz nawigował po sekwencji wcześniej zaprogramowanych scen za pomocą precyzyjnych naciśnięć przycisków.

W istocie Dragon's Lair zamienił interaktywny kreskówkowy film w grę polegającą na zapamiętywaniu i reakcji. Dlatego łatwo połączyć ją z nowoczesnymi QTE: niektórzy gracze cenili widowiskowość i jakość kinową, inni krytykowali ograniczoną kontrolę i surowe konsekwencje porażki. Dyskusje na temat tej mechaniki zaczęły się na długo przed Heavy Rain, God of War i innymi grami, w których QTE stały się częścią prezentacji.

Dla wielu graczy kody do gier kojarzą się z GTA: San Andreas, kartkami z kodami obok klawiatury oraz programami takimi jak CheMax, gdzie można było szybko znaleźć właściwą kombinację. Jednak kody w grach pojawiły się znacznie wcześniej. Jednym z wczesnych przykładów był Manic Miner z 1983 roku: platformówka o górniku eksplorującym jaskinie, unikającym wrogów i zbierającym cenne przedmioty.

Wpisanie kodu „6031769” aktywowało specjalny tryb, który skutecznie ułatwiał grę. Początkowo takie rzeczy często pojawiały się jako narzędzia dla twórców: szybki sposób na testowanie poziomów, sprawdzanie trudnych fragmentów i pomijanie konieczności powtarzania całej gry po każdej poprawce. Jednak gdy kod stał się znany graczom, cheaty przekształciły się w własny element kultury gier: sposób na eksperymentowanie, łamanie zasad i doświadczanie gry w zupełnie inny sposób.

Tryb kariery najczęściej kojarzy się z symulatorami sportowymi, gdzie gracz przechodzi od wczesnych meczów do chwały, tytułów i coraz silniejszych przeciwników. Jednak wczesne przykłady tej struktury pojawiły się także poza grami wyścigowymi i serią piłkarską. Jednym z nich była japońska gra Captain Tsubasa Volume 2: Super Striker — oparta na popularnej mandze i anime o Kapitanie Tsubasie.

Formalnie nazywano to trybem fabularnym, ale w istocie już zapewniało znany schemat kariery: drużynę i jej bohaterów na drodze przez serię ważnych meczów, rosnące napięcie, coraz silniejszych przeciwników oraz poczucie stopniowego postępu w kierunku wielkiego osiągnięcia. Później gry sportowe przekształciły tę strukturę w dedykowany tryb skupiony nie tylko na zwycięstwach na boisku, ale na całej drodze od nowicjusza do gwiazdy.

Gry przestały być zajęciem solo niemal natychmiast — pierwsze projekty sieciowe pojawiły się w erze ARPANET, prekursorze internetu. Już wtedy oferowały tryby kooperacji dla dwóch graczy lub takie jak Capture the Flag.

Capture the Flag jest najczęściej kojarzony z wieloosobowymi strzelankami: trzeba zdobyć flagę przeciwnika, przynieść ją do własnej bazy i powstrzymać przeciwników przed zrobieniem tego samego. Tryb ten jest dobrze znany z Unreal Tournament, Team Fortress 2 i innych gier zespołowych, gdzie liczy się szybkość, znajomość mapy i koordynacja drużyny.

Jednym z wczesnych przykładów tego pomysłu była gra Bannercatch z 1984 roku. Cała gra opierała się na przeciąganiu flag między punktami: dwóch graczy rywalizowało z drużyną dwóch potworów sterowanych przez AI, a kolejne poziomy wprowadzały nowe warunki i przeszkody. Jak na standardy lat 80., było to nietypowe podejście do gry konkurencyjnej — nie chodziło tylko o pokonanie przeciwnika, ale o wykonanie jasnego celu zespołowego na mapie.

Kooperacja nie pojawiła się od razu w znanej nam formie. Jeśli liczyć podstawowy pomysł „wielu graczy przeciwko komputerowi”, jednym z wczesnych przykładów jest wspomniany wcześniej Maze War z 1974 roku na ARPANET: wielu uczestników mogło znajdować się w tym samym labiryncie i wchodzić w interakcje w wspólnej przestrzeni. Jednak kooperacja w formacie komercyjnym pojawiła się później.

W salonach gier ważnym kamieniem milowym była gra Rip-Off z 1980 roku od Cinematronics. Dwóch graczy wspólnie broniło bazy przed wrogami, co już tworzyło znaną logikę gry kooperacyjnej: sukces zależał nie tylko od indywidualnych reakcji, ale także od umiejętności osłaniania partnera, kontrolowania przestrzeni i działania we wspólnym interesie. Nie tylko „dwie osoby na jednym ekranie”, ale sytuacja, w której współpraca staje się główną drogą do zwycięstwa.

Ponownie Maze War — pierwsza gra sieciowa w historii, działająca przez ARPANET. Przechodząc do komercyjnych usług online, ważnym kamieniem milowym było Neverwinter Nights z 1991 roku na AOL. Było to jedno z pierwszych graficznych MMORPG z płatną subskrypcją, obsługujące do 50 jednoczesnych graczy. To właśnie ta gra pokazała, że wspólna gra przez sieć może być czymś więcej niż eksperymentem entuzjastów — może być w pełni rozwiniętą usługą, za którą ludzie będą regularnie płacić.

Głos w grach pojawiał się również stopniowo. Jednym z pierwszych znaczących przykładów syntezowanej mowy w automatach arcade był Berzerk z 1980 roku: roboty zwracały się do gracza krótkimi frazami, takimi jak „Intruder alert!”. Na systemach domowych ważnym wczesnym przykładem był Space Spartans na Intellivision z 1981 roku, gdzie głosowe wskazówki stanowiły część interfejsu i pomagały śledzić stan statku gracza.

Pełny dubbing aktorski pojawił się później, gdy twórcy mieli już techniczne możliwości do bardziej filmowej prezentacji. Ważnym kamieniem milowym był Wing Commander z 1990 roku: gra szeroko wykorzystywała sceny scenariuszowe, postacie i dramatyczną interpretację, przybliżając symulator kosmiczny do interaktywnego filmu. Po takich projektach głos przestał być jedynie technicznym trikiem i stopniowo stał się standardem w dużych grach fabularnych.

To zależy od definicji. Jeśli „pierwsza gra komputerowa” oznacza najwcześniejszy przykład — był to Tennis for Two (1958) autorstwa fizyka Williama Higinbothama, wyświetlany na oscyloskopie. Jeśli „pierwsza komercyjna gra arcade” — Pong (1972) od Atari. Jeśli „pierwsza gra na konsolę” — Magnavox Odyssey (1972). Większość historyków zgadza się, że era gier wideo rozpoczęła się na początku lat 70. wraz z pojawieniem się automatów arcade i konsol domowych.

Maze War (1973) — stworzona przez studentów w NASA Ames Research Center. Spasim (1974) — sieciowy symulator kosmiczny — pojawił się równolegle. Te dwie gry położyły fundamenty gatunku, ale FPS po raz pierwszy odniósł sukces komercyjny w 1992 roku dzięki Wolfenstein 3D od id Software, a gatunek zdobył masową popularność rok później dzięki Doom.

W przypadku komputerowych RPG pierwsze przykłady to pedit5 i dnd dla sieci uniwersyteckiej PLATO (połowa lat 70.). Spośród komercyjnych tytułów — Akalabeth: World of Doom (1980) autorstwa Richarda Garriotta, a rok później Ultima 1. Na konsolach tytułem założycielskim japońskich RPG jest Dragon Quest (1986), a dla zachodnich action-RPG — The Legend of Zelda z tego samego roku.

Za pierwszą sieciową grę uważa się Maze War (1973), która działała przez ARPANET, poprzednika internetu. Pierwszym komercyjnym MMORPG online było Neverwinter Nights (1991) na platformie AOL: do 50 graczy jednocześnie, płatna subskrypcja, graficzna lochowa. Gry online stały się zjawiskiem masowym wraz z pojawieniem się Ultima Online (1997) i EverQuest (1999).

Spośród głównych gatunków — Battle Royale. Koncepcja ukształtowała się w 2013 roku dzięki modowi DayZ, a gatunkiem samym w sobie stała się dopiero w 2017 roku po premierze PUBG. Spośród mniej znanych gatunków — soulslike (po Demon’s Souls z 2009) i autobattlery (mod Dota 2 Auto Chess, 2019).

Która z „pierwszych gier” zaskoczyła Cię najbardziej? Znasz jakiś tytuł założycielski, który przeoczyliśmy? Podziel się w komentarzach — najciekawsze odkrycia zostaną dodane do wyboru.

40 gier, 40 pomysłów, które wywróciły branżę do góry nogami. Co ciekawe, prawie wszystkie pojawiły się w latach 70.–90., epoce, gdy „grafika” oznaczała pięć kropek na ekranie, a dostępna pamięć RAM była mniejsza niż to, co mieści się dziś w emoji. Duże współczesne premiery w zasadzie kontynuują rozwój tego, co wtedy wynaleziono: dodają detale, udoskonalają mechanikę, nakładają na siebie kolejne pomysły.

Niektóre gatunki wciąż czekają na swój kolejny przełomowy moment. Soulslike stał się wyraźnym kierunkiem dopiero po Demon’s Souls; immersive simy to wciąż bardziej zbiór pomysłów niż sztywny gatunek; a Battle Royale wyrosło całkowicie z modów i eksperymentów społeczności. Historia gier ciągle udowadnia jedno: kolejna wielka mechanika może nie pojawić się w drogim hicie, lecz w jakimś dziwnym demie, które ktoś właśnie testuje na Steam Next Fest. Wyścig po nowe pomysły trwa — i dobrze, że jeszcze nie widać mety.